choreo . grafias

"O que determina o valor de um artista em Portugal"

2009-03-04T05:04:00.000Z

A carta que se segue, de Filipa Hora dirigida ao Senhor Ministro da Cultura e Director da DGArtes, passeia-se por uma rede de mails, por isso, penso não estar a cometer qualquer tipo de indiscrição... mas que é de extrema importância, é!

O valor do artista é algo que me parece sempre tema de séria discussão, principalmente quando esta avaliação é feita de forma pouco cuidada e por pessoas pouco qualificadas para tal...

Numa altura em que alguns países, como Itália, discutem os apoios dados por parte do estado à cultura, e todas as suas diversas formas de expressão, este acontecimento é um argumento a favor de todos os que pensam que a cultura é uma "corja aveludada" de gentes que falam de coisas e sobre coisas completamente desnecessárias; E verdade seja dita, este neo-modernismo cultural está um pouco bafiento.

De uma forma geral as artes de palco, "performativas" ou o que lhes queiram chamar (acreditem que já ninguém sabe, nem mesmo o colégio das artes de palco chega a acordo unânime), não tem força para nada nem mesmo para lutar contra os seus direitos, por mais que custe dizer é uma realidade. Neste momento poder-se-á dizer que há uma receita infalível para se ganharem subsídios por parte das entidades artísticas assim como prémios: não se ser coreógrafo ou, no caso de se ser coreógrafo, deixar de o ser. Não se ser bailarino (parece que o bailarino não é bem o que dança, ou interpreta, este substantivo é quase proibitivo e arcaico reservando-se agora o nome performer, que é uma espécie de faz tudo das artes, normalmente carregado de worshops de nomes duvidosos - dança, canta, grita, produz, pinta, toca, rodopia, cai no chão, despe-se e veste-se, parado fica ou em movimento estático... tudo em prol da realidade... mas de uma realidade própria do universo, normalmente complexo e abstracto do "co-criador performer contemporâneo").

Esta receita é, e parece claro, mais teórica do que prática. Quem é que, adquirido o hábito, o vício ou o balanço, desiste de deitar em "catadupa" esgares de movimento para o espaço.

Como a maioria dos concursos, que têm sempre, como é de conhecimento geral, um júri escolhido conforme as conveniências (a "politica" como se diz) de cada um dos concursos - e isto de conveniências não envolve qualquer menosprezo pelas organizações e jurados respectivos, apenas enaltece a coragem de quem avalia sem qualquer tipo de preparação para o fazer - como a maioria dos concursos, como se dizia anteriormente, parece obedecer à preocupação de respeitar uma certa mediania de gosto não público, por imperativos de vária ordem, o melhor será que o coreógrafo-que-deseja-ser-contemplado-com-o-subsídio se avantaje de tal modo aos seus colegas que passe a ser um caso absolutamente à parte da realidade portuguesa, o que, com certeza, não se afigura difícil para os numerosos talentos e génios que andam por aí errabundos. Acho que ninguém, segundo cálculos meus, ousará subsidiar um, por exemplo, Falling Angels ou um Points in Space português. Ficarão à espera anos e anos os críticos e os jurados com medo de ajuizar e decidir.

Segue-se a avaliação:

O QUE DETERMINA O VALOR DE UM ARTISTA EM PORTUGAL?

Carta Aberta ao Exmo. Sr. Ministro da Cultura, Dr. José António Pinto Ribeiro, ao Director da Direcção Geral das Artes, Dr. Jorge Barreto Xavier e a todos aqueles envolvidos profissionalmente e emocionalmente na Cultura em Portugal

O meu nome é Filipa Hora e trabalho em produção artística há mais de 12 anos. Nos últimos 4 anos trabalhei como directora executiva e de produção do Espaço do Tempo sob a direcção do coreógrafo Rui Horta. Como todos sabem este é um dos centros de produção artística mais relevantes no panorama cultural europeu.

Por razões pessoais e por me sentir desiludida com os mecanismos de apoio e reconhecimento às artes em Portugal e com o panorama artístico nacional em geral decidi, no inicio de 2008, ao fim de 12 anos de carreira, deixar a área cultural.

No meio deste processo de transição, no qual decido virar as costas à cultura, recebi um convite de João Garcia Miguel, encenador, autor, actor e professor de Teatro, com quem já tinha trabalhado no OLHO em 1998/2000 e novamente em 2003 na fundação da sua empresa cultural João Garcia Miguel Unipessoal Lda.

Este convite destinava-se a assessorar João Garcia Miguel numa nova fase do seu trabalho. 8 anos após o encerramento do mítico Espaço Ginjal, JGM decide abrir uma sala de espectáculos e um espaço de formação e investigação artística em Lisboa. Esta colaboração destinava-se igualmente a apoiar o seu crescente reconhecimento no mercado internacional.

Considerei voltar à cultura porque acredito que João Garcia Miguel é um artista na verdadeira acepção da palavra e porque o seu trabalho me faz recordar que a arte (ainda) existe porque incentiva a criação de modelos experimentais e de respostas efectivas que auxiliam as sociedades e os seus indivíduos a construírem-se “por dentro”.

Nas sociedades actuais é difícil resistir à força da cultura do entretenimento e por isso a mensagem mais interventiva e artística perdeu lugar para as propostas mais “generalistas” com influências claras das narrativas mediáticas.

É por isso que um acto artístico, no verdadeiro sentido da palavra, implica hoje e sempre actos de rebeldia e provocação,

Falo disto a propósito dos resultados, recentemente divulgados, dos Apoios Directos às Artes na área de Teatro, onde o criador João Garcia Miguel aparece classificado pelo júri constituído por António Calpi, Fernando Matos de Oliveira e Giacomo Scalisi em antepenúltimo lugar (32º num universo de 34 candidaturas elegíveis na área de Lisboa e Vale do Tejo). Nesta classificação considerei particularmente chocante a avaliação relativa à relevância do percurso artístico e profissional da equipa e qualidade artística do programa de actividades, cuja pontuação foi sofrível relativamente a outras candidaturas, não desmerecedoras, mas certamente menos relevantes (vide anexo).

O criador, e a sua equipa, que são desta forma desvalorizados e, a meu ver, humilhados, é o mesmo criador que, em Dezembro de 2008 recebeu do Exmo. Sr. Ministro da Cultura, em seu nome pessoal e em representação do Governo, as “mais calorosas felicitações por ocasião da atribuição do prémio FAD Sebastià Gasch 2008, distinção que honra o artista, as artes cénicas portuguesas e o País.”

Este é o mesmo criador que tem agendados e confirmados para o corrente ano 11 espectáculos em Espanha;

o mesmo criador que ganhou o premio FAD Sebastià Gash 2008, para o melhor e mais inovador espectáculo apresentado na Catalunha naquele ano;

o mesmo criador que ganhou o concurso público para a direcção artística do Teatro Municipal de Torres Vedras;

o mesmo criador que teve cerca de 800 espectadores no CCB com a sua ultima criação As Criadas;

o mesmo e único criador português em cena durante um mês no Festival Fringe de Edimburgo em 2006;

o mesmo criador que fundou a Companhia de Teatro OLHO, o Espaço Ginjal e o Festival X;

o mesmo criador que se apresenta regularmente nas salas do CCB, do Teatro Nacional São João, do Teatro Nacional D. Maria – Teatro da Politécnica, do Teatro Azul, do Centro Cultural Vila Flor, do Teatro Municipal da Guarda, do Teatro Valle Inclan em Madrid, entre vários outros.

Com que lógica? Com que legitimidade? Com base em que critério artístico ou noção de Arte é que o País, na pessoa daqueles que falam em seu nome - o júri do presente concurso – desconsidera desta forma absurda João Garcia Miguel e a sua equipa, na qual se incluem profissionais como Miguel Borges, Anton Skzypiciel, Michael Margotta entre outros.

No meio desta irracionalidade institucional encontro apenas sentido no confronto real com o público, disponível para receber e participar nos actos de rebeldia e provocação que a sobrevivência da Arte convoca.

Gostaria de vos convidar a reflectir sobre a legitimidade deste modelo de apreciação artística e a enviarem-me os vossos comentários que farei questão de colocar na mesa do Sr. Ministro da Cultura e do Director da DGARTES, tal como fiz com esta carta.

Agradeço também que reencaminhem esta mensagem e convite aos vossos contactos.

Obrigada pela vossa atenção

Filipa Hora

Novo "readymade" PRECISA -SE

2009-02-10T05:29:00.000Z

Hoje somos fruto "disto"... ou de parte disto, com evoluções, naturalmente.
Ainda se continua a discutir "isto"!

Estamos na altura de criar novos "readymade(s)".

“Ele escolheu-a!”

“Foi o sentido e não o objecto que foi salvaguardado.”

“Que as questões técnicas não subvertam as estórias.”

“A fonte do Sr. R. Mutt não é imoral, é absurdo, tem tanto de imoral como uma banheira. É um objecto que se vê todos os dias nas montras dos canalizadores. Se o Sr. Mutt fez a fonte com as suas próprias mãos ou não, isso não tem qualquer importância.”

O mais divertido e mais destrutivo “readymade” de todos era a célebre “fonte”. (1917)

Pegou num artigo corrente da vida, colocou-o de forma que faz desaparecer o significado utilitário sob novo titulo e ponto de vista deu-lhe “um novo sentido”.

“Senti que, como pintor, era muito melhor ser influenciado por um escritor do que por um outro pintor.”
Marcel Duchamp

By Luís Ferreira

RM 1

RM 2

RM 4

RM5

Textos e Pretextos no Expresso

2009-01-21T21:11:00.000Z

Só falta uma estrela. Quem será?!

Le coq is Alive

2009-01-21T07:07:00.000Z

Le Coq is Dead... passado um ano... as palavras que foram ditas...

Com o bailado LE COQ IS DEAD, Luiz Antunes esteve ontem no palco da Moagem - Cidade do Engenho e das Artes. Esteve mais do que bailarino, esteve mais do que coreógrafo, esteve mais do que atento leitor do poema bailado "Le Spectre de la Rose", que o inspirou, esteve mais do que criador, esteve mais do que estudioso das artes de palco – esteve lá todo. Esteve lá a pessoa de Luiz Antunes, em alma e vida, ou talvez melhor dizendo, em vida e alma. Esteve lá inteiro – e três vezes.
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"Três Vidas" poderia ter sido um alternativo título da obra. Trilogia de inspiração, trio de obras musicais, tríade de personagens, visão tripartida do rumo da vida de um artista diferente na afirmação (ou na procura) do seu sentido original, tripla fonte de inspiração-pressão em que a vida do autor o impeliu para a criação desta obra. Caminho de três passos que são nada mais (ou nada menos) do que a tese, a antítese e a síntese de uma opção de caminho artístico. Se é que não estamos perante a opção entre três caminhos: a arte clássica, a arte pós-moderna e um modernismo purista e exigente com inextrincáveis laços ao classicismo.
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Talvez esteja aqui o ponto da questão de fundo. Luiz Antunes é um clássico. E, valham a verdade e a justiça, é um clássico dos melhores. Daqueles que sobrevivem no preconceito pós-modernista que sequestra – e quantas vezes castra – os criadores de arte e os promotores de cultura do nosso tempo e no nosso espaço. É um clássico no melhor dos sentidos: conhece e domina o rigor da técnica, mas utiliza-o ao serviço da criação, da liberdade de expressão, do primado da sensibilidade e do belo, que faz da arte uma forma de expressão sublime, humanamente sublime. Aceita as linguagens do seu tempo, as vias de liberdade de exploração dos sentidos que são as da sua geração, as paredes transparentes da criação sem limites que são as da sua era – mas aceita tudo sem renunciar ao respeito pelo padrão de universal qualidade que para os clássicos é um axioma. Como todos os artistas sérios, como todos os verdadeiros artistas, o Luiz sabe (e sente) que por alguma razão o Don Quijote de Cervantes é hoje tão actual como Os Cus de Judas, por alguma razão a arte da Fuga é, 300 anos depois de exposta por Bach, tão actual como o Free Jazz do final do século XX.
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Le Coq is Dead é um contra-senso – um maravilhoso e comovente contra-senso. Sendo a projecção psicanalítica da vida de sofrimento e grandeza de um artista em luta pelo direito à diferença, é um contra-senso da ideia da morte aceite com uma vitalidade pujante, da ideia da opressão combatida com uma liberdade estruturada, da ideia da tirania das convenções enfrentada com as lágrimas do orgulho e do amor-próprio.
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A base musical é o começo da compreensão da obra: três peças da "grande música" ordenadas numa sequência de aparente inversão. A "Lacrimosa" do Requiem em ré menor de Mozart, O "Cisne" de Camille Saint-Saens e o "Convite à Dança" de Carl Maria von Weber asseguram a estrutura do bailado, que, com esse alinhamento, parece começar com a expiação da morte e terminar com o início do caminho. Parece – insista-se na aparência – a história da vida contada ao contrário. Já lá iremos. A música é, nesta obra, um bom ponto de partida (não será sempre?). Três peças de uma qualidade melódica excepcional, tendo como ponto comum a imprescindível "dançabilidade" e como especificidade própria de cada uma a força expressiva. A carga da Lacrimosa é contrastada pela subtileza d'O Cisne – e ambas são complementadas, completadas e integradas/contextualizadas pela Convite à Dança. Se a conjugação é do ponto vista musical feliz, se do ponto de vista da dança é completa – sob a perspectiva da obra no seu conjunto é perfeita. Perfeita como fio da narrativa e como elo da mensagem, mas também perfeita como evidenciadora do sentido teleológico da suite e do próprio caminho artístico do criador. As três peças são, nem mais nem menos, a tese, a antítese e a síntese de Le Coq is Dead – luminosamente! Mas há mais, na música da obra: há o contraste dos temas de forma contemporânea que servem de cimento às peças clássicas – ou, melhor, de ambiente histórico-psicológico-sociológico em que a identidade do autor e da sua obra-mensagem se desenvolvem, se movem, se atrofiam, se libertam e renascem. A ligação entre as peças clássicas e a criatividade mais contemporânea do "maestro" João Bento é uma agradável surpresa – de consistência, de equilíbrio formal, de instabilização reequilibradora e, enfim, de uma beleza global que se ajusta ao bailado como uma luva.
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Depois, há a dança. O principal, o essencial – aquilo de que há tanto para ler, mas tão pouco (ou tão difícil) para escrever. Três bailarinos, que personificam o artista obrigatório da tese, o artista proibido da antítese, o artista libertado pela síntese. Estão lá a rotina social que parece indiferença mas é tirania, a explosão que parece marginalidade mas é singularidade, a opção que parece fuga mas é força de redentora identidade. Três personagens de grande complexidade, assumidos por três intérpretes de confortante verdade. Três linhas de força em que o centrípeto e o centrífugo ameaçam levar à autodestruição mas acabam por se conjugar no grito da criatura que vem à luz do dia com vontade de viver o seu próprio destino. Um grito que, gerado da dor da solidão comoventemente ilustrada em cenas como aquela em que o protagonista (será ele?) faz um doloroso diálogo de vaivém com o espelho, ou aquela outra (será outra?) em que se debate entre o cumprimento das ordens que lhe dão para encontrar o seu próprio prazer (será próprio?), mas também conquistado na paz do voo do cisne que mergulha na musicalidade dos seus próprios movimentos/impulsos – um grito que é, com tudo ou contra tudo, um grito de alegria, de redescoberta e redentora alegria.
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Da morte para o nascimento. Parece a história da vida contada ao contrário. Mas, se essa opção formal corresponde à vontade de mensagem do autor, o que ela tem de mais verdadeiro é que esta aparente inversão da vida faz parte da… ordem natural da vida: o artista começa no assassinato que lhe infligem quando desabrocha, e chega ao fim quando consegue libertar-se e "nascer". É assim com todos os artistas sérios, verdadeiros artistas – e é assim que Luiz Antunes pretende afirmar, com inspiração fina e transpiração séria, que está vivo, que está a caminho da maturidade da morte que recebeu da Natureza e pronto para nascer na identidade que conquista na arte.
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Oxalá esta pacificação consigo mesmo, esta aceitação da riqueza que há na luta de contrários, este triunfo sobre as inseguranças e os medos da diversidade sejam interiorizados, assumidos e vividos como uma segura via de liberdade e identidade artísticas, de orgulhoso contentamento e exigente insatisfação de vida. Para esse Luiz Antunes, o céu é o limite.

Publicado a 30 de Dezembro no blogue Quadratim, por António Leal Salvado

sommerszene 08

2009-01-16T01:49:00.000Z

ENCERRADO PARA CRISE

2009-01-14T04:52:00.000Z

Imagem Luiz Antunes

Ao derivar pelas ruas da cidade de Lisboa parece que tudo esta encerrado para crise. A crise que levou tantos a criar, a protestar e a inovar… parece que esta “nossa crise” está a levar-nos ao silêncio. Antes ainda se conseguia ver nos palcos algo que falasse de nós e para nós, mas parece que actualmente isso já não é da moda. Talvez seja algo geracional, desta nova envelhecida geração. É provável que esta crise de valores e esta inércia de tudo nos leve à falência.

Onde estão os convencidos da vida artística, dos cursos subsidiados que tanta formação tiveram para coreografarem e criarem? Poderei referir alguns que nenhuns frutos deram… pelo menos até agora: os cursos de criação coreográfica da Gulbenkian, os cursos de coreografia do Fórum Dança. “Todos os dias os encontro, aos convencidos da vida artística. Evito-os. Às vezes sou obrigado a escutá-los, a dialogar com eles. Já não me confrangem. Contam-me vitórias. Querem vencer, querem, convencidos, convencer. Vençam lá à vontade. Sobretudo, vençam sem me chatear”. Estes convencidos das artes da dança e da rumba quadrada “há-os, afinal por toda a parte, em todos (e por todos) os meios. Eles estão convictos da sua excelência, da excelência das suas obras e manobras (as obras justificam as manobras), de que podem ser, se ainda não são, os melhores, os mais em vista.

Praticam uns com os outros, nada de genuinamente indecente: apenas um espelhismo lisonjeador. Além de espectadores, o convencido precisa de irmãos-em-convencimento.”

Porque é que se continua a financiar constantemente as mesmas estruturas… que têm a responsabilidade moral e cívica de apresentarem com os seus “performers contemporâneos” trabalhos que nunca saiem das tocas e dos seus locais periféricos? ABRAM as portas às salas de espectáculo senhores programadores… deixem as pessoas trabalharem num tempo em que esta tudo sem nada para fazer… para que querem as salas fechadas e os espaços encerrados?

Fechem as escolas de artes de palco deste país… pois vai tudo para o olho da rua… e no fundo vamos criar mais uns tantos convencidos da vida artística… e esses senhores que já foram de uma dança nova, já têm idade para deixarem os subsídios de parte e mostrarem o que valem… deixem agora comer quem esta em fase de crescimento, quem esta faminto de poder mostrar o que vale…

Feet for MMIX

2009-01-07T03:09:00.000Z

Dancers Feet =
Sylvie Guillem
Luís Damas
Roger Van der Poel

Fotografia = Luiz Antunes _ Magda Fernandes

Moon(light) Touch

2008-12-14T21:32:00.000Z

O ponto de partida, no meu ver, continua a ser o mesmo.
Um caderno com imagens a preto e branco de um antigo e original Espectro da Rosa; a ideia de um trabalho coreográfico sem rosas mas com gladíolos ou mesmo jacintos; o estúdio da fotografa Margarida Dias repleto de mundos e umas mãos que captam olhares, corpos, realidades e desalinhos de memória. Pretendia-se chegar a uma imagem que condensasse tantos conceitos ainda por decifrar.

Moon(light) Touch

"Da narrativa fica a ideia de desejo que surge de um espectro. Trabalhar com memórias infernais daquilo que não acontece.

Alterar os ícones e o sentido dos objectos. Contudo fica a forma, por trás da penumbra do esfumado da imagem arrastada pela luz.

Não ser uma imitação de uma rosa que surge como um gladíolo. Um gladíolo pode ter espinhos.

A nudez da alma, fica presa ao pensar o passado. O toque não termina com o afastar das mãos com o descolar da pele. Perdura e continua. O longe marca a distancia, o espectro das linhas do corpo fica, os contornos não se apagam. A luz termina. Mas continuas a pousar para os olhos que tanto te desejam."

(excerto de um texto para o espectáculo "Le coq is dead" de Luiz Antunes)

Depois de um ano passado surge este trabalho de Margarida Dias, Moon(light) touch. Um novo re-interpretar do desejo da coreografia Espectro da Rosa.

Ficam as palavras escritas de Margarida Gil dos Reis para o Le coq is dead e aplicáveis a Moon(light) touch.

"Cada um (dos personagens) é fragmento do mesmo espectro e extrai do limbo novas formas que constituem os exemplos de uma nova realidade. O seu lugar já não é o do sonho. É o da irredutível estranheza do inumano e do espectro. Por isso, o desejo pulsa, o olhar turva-se e o corpo torna-se mais plástico na medida em que procura ser fiel ao seu próprio trajecto de sombras. Deseja-se sempre mais: a possibilidade do que, a qualquer momento, pode acontecer. De repente, a poltrona da jovem rapariga é lugar de assombração e suspensão. Um olhar embaciado sobre o real que nos sustém a visão a fim de encararmos, cara a cara, o Espectro ou a nossa própria condição."

Margarida Gil dos Reis

Moon(light) Touch

Margarida Dias

Desaparecer para aparecer ou tudo ao contrário

2008-12-12T05:34:00.000Z

(...) " ' a lua da qual tinha caído um leão' nunca se pode saber
maçãs caem Newton cai na armadilha
quedas não faltam umas por causa das outras
os impérios caem etc. o assunto do bailarino cai
mas sempre em cima da cabeça e estamos para ver
Cristo a andar sobre as águas é ainda o caso do bailarino
'o estilo'
claro que 'isto' apavora
a dança faz parte do medo se assim me posso exprimir"

Helberto Helder
2008

Imagens ::: Luiz Antunes

OS PROGRAMÁVEIS

2008-12-11T00:52:00.000Z

::O Projecto BOX NOVA do CCB abriu a porta de 2009::

Os programáveis e programados para o projecto BOX NOVA são

Descubra as Diferenças

17 Janeiro

Pongo Land de Nuno Lucas

7 Fevereiro

Virus//Antivirus de Annabelle Bonnery

28 Março

Experimento 1 de Sofia Fitas

23 Maio

Against Architecture de Bruno Listopad

20 Junho

Projecto Respiro de Sylvia Rijmer

26 de Setembro

Meio de Luís Guerra

10 Outubro

Fake de Joana Barrios

28 Novembro

Madame Bovery, retrato de uma cabra sentimental de Catarina Câmara

Choreo - Grafias

2008-12-09T04:37:00.002Z

Já saiu o número 11 da revista literária Textos e Pretextos do Centro de Estudos Comparatistas da Faculdade de Letras de Lisboa, sob a batuta de Margarida Gil dos Reis e como editor convidado Luiz Antunes.

Este número é dedicado à Literatura e à Dança

No fundo é também e não só, a tentativa de deixar escrito aquilo que não se tem visto ultimamente... a "dita cuja" nos palcos... ou os dizeres de tantos coreógrafos, formados com mini-cursos de composição coreográfica de importantes instituições de cultura deste país...

Onde estão eles??? Eles não... os trabalhos???

Enfim... desfrutem do prazer da leitura de palavras dançantes... já que coisas a acontecerem nem vê-las ou por outra... poucas!!!! Visíveis.

Alegoria do estado da pessoa dança nos dias que correm

2008-10-10T03:25:00.000+01:00

Na voz de Nina Simone se interpreta a alegoria de uma estado latente... Não é pessimismo... consideremos uma espécie de neo - neo realismo...

HAPY NING

2008-10-01T04:26:00.000+01:00

A excentricidade do mau gosto é abusivamente agressiva.

O homem é obsceno, da mesma e igual proporção que a mulher é lasciva.

Lisboa

L.A.

PASS - VITE

2008-09-09T23:00:00.001+01:00

ALEXANDER EKMAN

2008-08-30T22:16:00.000+01:00

ELVIS, VICTORIA BECKAM AND ME

PASS - VITE

2008-07-29T20:49:00.000+01:00

Passe tudo pela refinadora

Alexandre O'Neill

Estreia 25 de Julho de 2008
ALCAINS - Festival Festins

Concepção, Coreografia Interpretação Luiz Antunes Espaço Cénico Sttiga Desenho Sonoro Nuno Pereira Texto Bruno Horta Dramaturgia António Andrade e Luiz Antunes

Produção Executiva Terpsicore - A23 Designer Gráfico Pedro Faísca - Le Pet Fotografia Magda Fernandes - Imagerie

Co- produção Terpsicore - A23, Alzine Apoios E.E.D.C. Anna Mascolo, Imagerie

Inferno de Olga Roriz

2008-06-03T17:28:00.000+01:00

Depois do Paraíso... vêm o Inferno!

Contradizendo o provérbio popular: depois da tempestade vem a bonança.

Direcção e selecção musical OLGA RORIZ | Cenário OLGA RORIZ / PEDRO SANTIAGO CAL

Figurinos OLGA RORIZ | Desenho de luz CLEMENTE CUBA | Textos CRIAÇÃO COLECTIVA

Arranjos Musicais JOSÉ AVELINO | Direcção Vocal LUIS MADUREIRA

Intérpretes CATARINA CÂMARA, MARIA CERVEIRA, SYLVIA RIJMER, BRUNO ALEXANDRE e PEDRO SANTIAGO CAL

www.olgaroriz.com

Textos e Pretextos x 10

2008-05-27T16:04:00.000+01:00

Textos e Pretextos porque são os textos que nos dão os pretextos para os lermos ou encontrarmos novos textos, ou porque há sempre algo anterior ao texto (pré-texto), ou simplesmente porque estes, os textos e os pretextos, são os dois instrumentos indispensáveis ao bom leitor.

Revista como um espaço aberto à criação artística e ao novo ensaísmo.

Diálogo entre o texto e a imagem

Somando dez números, cada edição foi uma descoberta, no sentido do encontro com cada autor e tema em estudo, bem como cada colaborador que encontra nesta revista um espaço de publicação.

Texto de Margarida Gil dos Reis in Editorial da Revista Textos e Pretextos, Manuel Gusmão~Poesia e Crítica.
textosepretextos@gmail.com

O próximo terá como tema Literatura e Dança.....

Et VOILá...

Nijinsky by Rudolf

2008-05-07T01:51:00.000+01:00

Nijinky a crú.
Nureyev a nú

Last Touch First

2008-04-14T05:32:00.000+01:00

Kylian | Schumacher |Kupferberg
Fotografia| Robert Benschop

Last Touch First é um trabalho denso onde se explora a solidão de seis indivíduos, espaço de descoberta do sentido de “estar juntos” com a realidade individual e solitária de cada um. Estranho paradoxo.

Um quadro composto por seis figuras vivas. O movimento é em slow motion, sem cadência concreta aparente.

Um jogo de cartas que perdura no tempo e no espaço, entre dois homens; um copo de vinho que é bebido por uma solitária mulher; um homem que surpreende uma outra que lê um livro numa cadeira de baloiço; uma vela acesa que queima calmamente sobre o olhar atento de uma outra mulher.

É o desespero, a loucura e a solidão do toque lento de seis figuras.

A atmosfera do séc. XIX faz lembrar os jogos grotescos do autor Russo Anton Tchecov, onde os figurinos de estilo Vitoriano realçam o anacronismo e o “não natural”, intensificando simultaneamente a carga dramática, e a confusão do tempo, das memórias.

É um trabalho sobre a contenção e a retenção; Aparentemente simples a nível técnico, mas a realidade nem sempre é tão linear assim, é de uma clareza e de uma precisão de movimentos impressionante; O carácter de cada um dos personagens é definido por cada movimento que surge num contínuo “andante” ao longo de toda a coreografia; As imagens que surgem num andamento lento são rasgadas por surtos de energia arrepiantes, que nos transportam para uma alteração súbita e violenta, sendo reveladora das modulações dos diferentes estados emocionais de cada um dos actores deste universo; Estes momentos de descongelamento, de rapidez, são fundamentais na dinâmica aparentemente densa de toda a coreografia.

Compaixão, crueldade, amor, visões de perversão, ou agressão são estados que estão em cada personagem – por vezes adormecidas por vezes acordadas.

Quando se observa este universo de Anton Tchekov, lido através “de” e reescrito no grafismo do movimento pelas mãos de Kylían e Schumacher, temos a clara noção que não é tão diferente do mundo que vivemos actualmente, ou melhor, é completamente diferente, mas em que sentimos exactamente o mesmo.

Holland Dance Festival
Teatro Korzo
XII.II.MMVIII
Haia

Bernhard Dance Company

2008-04-13T17:41:00.000+01:00

Bernhard Wilhelms na sua nova colecção Outono/Inverno 08 deixa visível “a lot of tights”, com muitas influência retiradas de um estúdio de dança.

Arts Veritas

2008-04-12T05:21:00.001+01:00

O futurismo vem a ser uma fotografia abstracta das coisas. Ora toda a arte, seja como for, é antifotográfica e concreta...
Fernando Pessoa

Foundation | Taner Ceylan| Óleo sobre tela

Maria Bakker ... a Diva

2008-04-10T20:36:00.000+01:00

A excentricidade do mau gosto é abusivamente agressiva.

O homem é obsceno, da mesma e igual proporção que a mulher é lasciva.

FOTOGRAFIAS | Luiz Antunes
Sunday Show . Maria Bakker is Dead .
IV. II . MMVII

TRIANON

2008-04-09T18:58:00.000+01:00

BELLA GERANT ALII, TU FELIX AUSTRIA NUBE

Fotografia | Luiz Antunes| Luísa Ferreira

Valsas Brasileiras

2008-03-31T18:38:00.000+01:00

ALEXANDRA MASCOLO-DAVID

NO S. LUIZ

“Uma pianista esplêndida – refinada, minuciosa e expressiva – e o seu toque é criterioso e rico em detalhes interpretativos.” Washington Post

A pianista Alexandra Mascolo-David ressurge no panorama nacional com o lançamento das 24 Valsas Brasileiras de Francisco Mignone coligidas em dois volumes de 12 valsas cada.

A pianista portuguesa tem actuado com regularidade em temporadas de concertos na Europa, na Ásia, na América do Norte e na América Latina. Tem-se apresentado como solista em recitais no Brasil, Espanha, China, Hungria, Itália, Perú, Portugal, Polónia, e Estados Unidos. Na Europa e na Ásia destacam-se as suas actuações no Museu do Teatro alla Scala em Milão, na Igreja de São Filippo em Turim, no Festival International de Música da Figueira da Foz, na Academia de Música Frédéric Chopin em Varsóvia, na Academia das Ciências de Budapeste, na Universidade de Messina, e nas: Escola de Drama de Jiangsu, e Escola de Arte da Universidade de Astronáutica e Aeronáutica de Nanjing, ambas na China. Nos Estados Unidos tem-se apresentado como solista em grandes cidades, tais como Kansas City, Des Moines, Minneapolis, Washington D.C., Nova Iorque, e em Universidades com destaque para a prestigiosa de Yale, a Universidade de Oklahoma, a Universidade do Estado de Illinois, e também no famoso Campo Internacional de Artes de Interlochen, no seu Festival de Artes de Verão. Em 2004, o seu recital no Weill Recital Hall em Carnegie Hall recebeu uma crítica esplêndida na revista New York Concert Review.

Durante cinco anos, Alexandra colaborou com o Trio Orpheus da Central Michigan University. Colaborações com outros artistas têm incluído concertos promovidos pelo famoso Gilmore International Keyboard Festival, pelo Fontana Chamber Arts Festival (Michigan), pela Master Players Chamber Series (Delaware), e em recitais com a pianista brasileira Rúbia Santos com a qual formou o BelleDonne Duo Pianístico em 2005 com o fim de divulgar a música de compositores contemporâneos e da América Latina. O duo foi já convidado para actuar num concerto incluído na conferência nacional da organização norte americana Music Teachers National Association (MTNA) em Boulder, no estado do Colorado, em Março de 2008. Em 2007 Alexandra Mascolo-David gravou também um CD de música Latino Americana para piano e violoncelo com o violoncelista de catorze anos Gabriel E. Cabezas, vencedor do Nono Concurso Nacional Sphinx, para o White Pine Music Recording Label.

Recentemente, Alexandra Mascolo-David tem vindo a enriquecer o seu repertório com a música de compositores portugueses e do compositor brasileiro Francisco Mignone. Aliás, tem-se distinguido na promoção e execução da música para piano de Mignone, com especial destaque para as “24 Valsas Brasileiras” que têm sido muito aplaudidas. Um disco compacto (CD) do primeiro volume das “Valsas Brasileiras” contendo as primeiras doze peças foi lançado em 2001. O jornal Atlanta Journal-Constitution aplaudiu esta edição, dizendo:

“O primeiro disco CD da jovem pianista portuguesa Alexandra Mascolo-David é verdadeiramente precioso… Toca-as [as valsas] num estilo poético a parecer improvisado, com pleno domínio da veia afável do compositor… Um disco notável…”

O segundo volume das “Valsas Brasileiras” contendo as últimas doze valsas foi lançado em 2007 completando assim a única versão integral das “24 Valsas Brasileiras” gravada até à data fora do Brasil. Da sua interpretação das valsas, a viúva do compositor salientou:

“Foi com muita emoção que ouvi a pianista Alexandra Mascolo-David interpretar as Valsas Brasileiras de meu marido Francisco Mignone. Alexandra interpreta Mignone com grande sensibilidade, bom gosto, e conhecimento profundo da obra do compositor. Sem dúvida, a sua contribuição musical é de grande beleza, com sonoridade bonita e total afinidade com o clima romântico das Valsas de Mignone”.

Ainda em 2007, Alexandra Mascolo-David vence um concurso aberto aos professores de todos os departamentos da Central Michigan University, recebendo assim um prémio no valor de noventa e cinco mil dólares para a gravação das quatro “Fantasias Brasileiras” de Francisco Mignone para piano e orquestra com a Orquestra Sinfónica de Kalamazoo (Michigan), sob a direcção do maestro Raymond Harvey, para o White Pine Music Recording Label. Este projecto deverá ser concluído até Junho de 2009.

Tem-se também dedicado à divulgação de obras de compositores contemporâneos, alguns dos quais lhe têm escrito e dedicado obras. Recentemente, a pianista foi a solista convidada para a gravação em CD do “Concerto No. 1 para Piano, Instrumentos de Sopro e Percussão” do conceituado compositor americano David Maslanka. Esse disco foi lançado em 2005 pela Albany Records. Comentando sobre a sua actuação nesse Concerto, a revista American Record Guide elogiou: “Alexandra Mascolo-David conseguiu transmitir a difícil parte do solista com uma facilidade alarmante”.

Alexandra Mascolo-David é diplomada em piano pelo Conservatório de Música do Porto, e obteve o seu doutoramento em piano na Universidade do Kansas, nos Estados Unidos, onde foi discípula do pianista português Sequeira Costa. Estudou também com Edna Golandsky em Nova Iorque, e com Joseph Gurt em Ann Arbor, Michigan. Foi membro do corpo docente da Escola de Música da Iowa State University e do Interlochen Arts Camp, nos Estados Unidos. Presentemente ensina piano na Central Michigan University em Mount Pleasant, Michigan, nos Estados Unidos. É detentora de numerosos prémios e galardões, incluindo o Primeiro Prémio do Concurso Nacional de Piano de Braga (Portugal), e os prémios: Provost’s Award for Outstanding Research and Creative Activity (2001) e President’s Award for Outstanding Research and Creative Activity (2007), ambos da Central Michigan University.

Sendo uma pianista internacionalmente reconhecida na interpretação da obra de Francisco Mignone , estreia-se em Portugal com as Valsas Brasileiras num concerto dia 21 de Abril no Jardim de Inverno do Teatro Municipal de S. Luiz, em Lisboa; assim como uma conferencia | lançamento dos dois Cd's referentes a este trabalho, na Livraria Bulhosa, dia 22 pelas 18.30 no Campo Pequeno.

Informação actualizada sobre concertos e gravações pode obter-se no endereço internet: www.mascolodavid.com

ENTREVISTA A OLGA RORIZ

2008-01-18T03:55:00.000Z

Olga Roriz
Fotografia|Magda Fernandes

Dançar com as palavras, escrever com o corpo

Subida íngreme, caminho de pedra e sem saída. Ao fundo uma porta de cor verde, talvez demasiado estreita e alta, encimada por uma vidraça em arco e sobre esta uma pequena janela rasgada na parede que deixa sair alguma luz para o exterior da envolvente casa da Madame Roriz.

Abrir a porta para aquele Mundo é como abrir a porta de uma qualquer, (ora grande ora pequena) Alice, para o País das Maravilhas do conto de Lewis Carroll.

Pequenas nuvens de fumo de incenso viajam entre pinturas, fotografias, objectos cheios de vida e significação, dissipando-se de encontro com as pedras da muralha Fernandina de Lisboa.

No sofá uma mulher, mãe, criadora de ilusões e confusões reais, uma amiga, uma inventora de novas respirações para o corpo, para o movimento, para a dança. Um ser pensante, com ideias sobre homens e mulheres, daqui e dali.

Os cigarros são compridos, as mãos são alongadas como as pontas dos pés de uma bailarina. O dourado do isqueiro encandeia o rosto, ao cuspir fogo em linha paralela ao esguio pescoço de uma garça-real.

Escreve muitas palavras, mas para si. Os movimentos não os escreve como qualquer coreógrafo (escritora de movimento), inscreve-os primeiro no seu corpo, depois para corpos alheios que de alguma forma já foram seus, carregados de vivências, plenos de significância. Chez Madame não habita a abstracção, cada movimento, cada gesto precede uma ideia e transmite uma emoção, um estado, um estar.

Os seus 50 anos de idade, 30 de carreira e 10 de companhia, transformaram o ano de 2005, num ano de comemorações e de “Felicitações Madame”, título do primeiro filme de dança em Portugal dirigido e realizado pela Madame Roriz, estreado em Junho desse ano.

Falar de Olga Roriz é descobrir alguém com histórias no corpo e na cabeça, daí precisar de racionalizar a emoção lendo ensaios e poucos romances, é descobrir que “a pele é uma venda e um poço de memórias”.

A maior coreógrafa da história da dança em Portugal, é uma Diva, não pela maneira como a tratam muitas vezes, mas pela forma como trata.

O seu trabalho como coreógrafa revela um fascínio pelo drama. Quando prepara uma coreografia pretende que ela seja mais do que uma dança, seja um espectáculo?

OLGA RORIZ – Acho que nunca pensei de outra maneira senão essa. Nunca pensei que a dança fosse esvaziada de sentido e de conteúdo dramático. Achei que era uma via, sobretudo numa fase inicial, para dizer alguma coisa, mesmo que através do corpo. Desde cedo, nunca me fez muito sentido a ‘dança abstracta’, se é que ela existe, mas sim os movimentos terem por base uma ideia. Ao partir deste pressuposto, o que acontece é que a súmula desses porquês e dessas ideias segue uma linha dramática, mais ou menos teatral. Mesmo tendo feito o meu percurso na Gulbenkian, durante 18 anos, de pesquisa ao nível do movimento e da linguagem do corpo, a partir de certa altura deixou de me interessar o lado da malha coreográfica, pela malha dramatúrgica, pelas ideias em si.

Qual é, para si, o peso da palavra neste processo criativo?

Quase poderia dizer que o meu ideal é essa junção perfeita, que ainda não sei bem o que é, entre a dança e a palavra. Ainda procuro o momento perfeito em que o corpo possa estar em movimento e complete a sintonia com a palavra. Tenho feito esse percurso, desde há dois anos, com uma das bailarinas que está na companhia.

Quais são as vozes literárias que a acompanham?

Geralmente não elejo ninguém, em nenhuma área. Tenho cruzamentos que são muito importantes, motivados, sobretudo, por vivências. Desde muito nova que sempre preferi o ensaio aos romances ou à ficção. Li muitos ensaios filosóficos, Nietzsche, Schopenhauer… Foram autores marcantes, sobretudo para uma rapariga muito jovem. Nietzsche é um autor muito masculino, quase cruel para as mulheres… Depois li todo aquele conjunto de autores que são quase cliché, tais como o Sartre, o Camus, Fernando Pessoa, que ainda hoje continuo a ler. Há ainda todo um conjunto de escritores que estão na prateleira há anos e que estão ali à espera do momento, mesmo sabendo que é quase um pecado não os ter lido! É quase a retenção de um desejo. Hoje em dia deixei de ter o hábito de ir à livraria comprar um livro. O que me faz conhecer novas músicas, novos escritores e artistas é a pesquisa que faço para todos os meus trabalhos. Mesmo que isso só aconteça de oito em oito meses, são momentos muito enriquecedores para mim.

A escrita distanciou-a de algum modo da leitura?

Sim, sem dúvida. Não escrevo para ninguém ler, apesar de já me terem pedido para editar os meus Diários Falsos, que já vão no quarto volume. Acho que é uma questão de necessidade. Sempre escrevi para mim, e alguns pequenos textos para figurarem nos programas de certos espectáculos meus. Mesmo esses textos pequenos eram dolorosos porque sabia de antemão que eram públicos. Esses textos foram-se alongando e a certa altura, por incentivo de várias pessoas, comecei a escrever com um pouco mais de tranquilidade. Em 1996 escrevi um texto bastante longo para um espectáculo e, talvez a partir dessa altura, escrevo todos os dias. Neste momento, escrevo mais do que danço. Não trato todos os dias o meu corpo como bailarina, mas todos os dias tenho de escrever. Uma das coisas que me dá, por exemplo, muito prazer é a coreografia da escrita que tem a ver com o meu ritmo interno, com a minha dinâmica.

Sendo a coreografia um grafismo do movimento, de que forma é que, tanto as palavras que escreve influenciam esse movimento ou vice-versa?

A escrita tem sobretudo a ver com as minhas ideias e não necessariamente com o movimento. É a descoberta dessas ideias que me facilita depois a organização das coisas no espaço. As palavras, assim como a música no cinema, são coisas independentes, discursos que estão ali pelo que valem e não por estarem a servir qualquer outra coisa.

Beckett disse: “Encontramos sempre alguma coisa para nos dar a impressão de que existimos”. Sente essa necessidade de interiorização no seu processo criativo?

Acho que tudo começa pela necessidade. Não tenho de dizer a mim própria que existo sempre que faço alguma coisa. Essa interiorização não é para comunicar nada mas apenas por uma necessidade egoísta. É ali que eu existo como pessoa e tenho o privilégio de ser e fazer o que quero, onde e como quero viver. É certo que poderia ter pesquisado o meu espaço de várias maneiras, através da pintura, da fotografia, mas foi esta a forma que encontrei para me exprimir.

Quais são os seus medos?

Uns já não tenho, outros ainda permanecem. Tenho várias fobias mas que se têm desvanecido porque talvez as enfrente. Acho que tenho medo das coisas que penso que tenho medo. A solidão, o silêncio, a noite, são alguns dos medos que se têm vindo a transformar em algo presente. Tenho outros medos mais físicos, por exemplo o medo da queda, algo que é estranho, sobretudo sendo eu uma coreógrafa que constantemente trabalhou sobre este tema. Justamente o momento que gosto mais é o momento em que já não há retorno na queda. Tenho medo do pânico, da morte, não me apetecia morrer.

Sente que existe uma dimensão de monstruosidade no seu trabalho coreográfico?

Não tenho essa noção. No entanto, sei que alguns monstros me perseguem. Mas só trabalho com coisas que me atormentam de forma a exorcizá-las. A criação é uma despoluição. Qualquer artista ao não conseguir enfrentar ou lidar com uma dada realidade ilude-se e vive nessa ilusão. Muitas vezes utilizo certas coisas inconscientemente e quando as racionalizo consigo compreendê-las e estabelecer ligações com a minha própria vida. Por exemplo, o Start and Stop Again foi apresentado aos bailarinos como um projecto inspirado no filme Os Cavalos também se AbatemAmor ao Canto do Bar Vestido de Negro trata um confronto terrível mas que ao mesmo tempo me tranquilizou. Foi algo que retirei de mim de forma a conseguir resolver este conflito interior. e, a determinada altura, apresentei-o como um projecto sobre o tempo. Algum tempo depois do trabalho conjunto sobre este projecto, um dos bailarinos perguntou-me porque é que eu tinha mudado de linha temática. Eu, que não estava à espera desta pergunta, disse impulsivamente e de forma inconsciente: “Porque pela primeira vez na minha vida estou sozinha em casa e o meu tempo modificou-se completamente”. O Amor ao Canto do Bar Vestido de Negro trata um confronto terrível mas que ao mesmo tempo me tranquilizou. Foi algo que retirei de mim de forma a conseguir resolver este conflito interior.

Trabalhando diariamente com o corpo, considera que ele pode ser monstruoso e simultaneamente belo nessa monstruosidade?

Há uma dualidade muito grande no corpo, com o passar dos anos: o corpo vai-se deteriorando mas cada vez sabe mais. Essa sabedoria é uma poderosa ferramenta que contraria o envelhecimento da máquina. O último solo que repus do Jardim de Inverno, que foi feito há 16 anos, lançou-me numa fase inicial algumas questões porque naturalmente nessa altura eu tinha um poder físico muito grande. Curiosamente, ao fazê-lo recentemente apercebi-me que pela sabedoria que este corpo agora já tinha eu consegui que esse solo fosse, pelo menos para mim, muito mais interessante. O meu corpo tem sido muito bom para mim porque responde e corresponde à minha cabeça. Obviamente que a minha linguagem cresce através deste corpo que eu tenho, com um lado feminino e um lado masculino que sabem conversar muito bem.

Há cerca de dois anos atrás, Olga Roriz disse: “O silêncio não existe. Ou melhor, existe antes ou depois de nós”. Interessa-lhe viver o instante, sem retrospectivas ou projecções?

Eu costumo dizer que tenho saudades do futuro. Por muito que queira ou não, não consigo descolar de mim o que está para trás. O que me interessa é continuar, não só porque somos empurrados para o próximo minuto, mas também porque o que é preciso é construir esse minuto.

O cenário, para si, é também um espaço de habitação?

Acho que esta questão tem muito a ver com o realismo do lado teatral. Há muito tempo que deixei o chamado cenário decorativo. Um espaço ou está vazio ou se há alguma coisa deve funcionar como um discurso paralelo, conversar com esse objecto. Tenho sempre muito a tendência de usar objectos quotidianos: nada mais quotidiano do que as cadeiras que são um sítio para estar. Essa minha recorrência de uma série de objectos que falam com o corpo tem a ver com uma linguagem de necessidade e com a vontade de que o público faça uma reflexão rápida. Quando comecei a coreografar eu não sabia o que queria, mas sim o que não queria. Foi muito bom por isso ter o Vasco Wallemkamp ao meu lado, porque me obrigou a fazer esta reflexão. A distância com o público foi uma das coisas que quis eliminar, aproximando o público do palco, tentando falar e exprimir problemas comuns a todos.

Olga Roriz tem um quase percurso paralelo relativamente à dança em Portugal que, mesmo tendo interceptado algumas vezes, sempre manteve a sua rota. Sente que abriu novas portas na dança?

Sobretudo neste último ano, em que a Companhia foi muito pública, sinto que houve de facto um percurso contínuo, apesar da existência de fases distintas, fruto de uma natural evolução. O que é muito interessante para mim é perceber que mesmo hoje em dia ainda abro portas, ou cabeças, a pessoas muito jovens. É isso que me dá a noção de que não fiquei parada no tempo. É muito gratificante, por exemplo, ter fãs da idade da minha filha.

Traz para cena constantemente a figura da mulher, frágil mas simultaneamente com uma força muito masculina…

Eu sou assim. Lembro-me de me criticarem a minha violência gestual quotidiana e de ter consciência desse lado forte mas acho que essa situação tem a ver sobretudo com a minha personalidade, com o meu lado de excessos, de pujança física…A coisa mais minimal que eu fiz, no sentido geométrico, foi a Terra do Norte mas ao mesmo tempo era tudo tão térreo e tão tribal! Eu nunca fui muito atrás de correntes, géneros ou modas.

A limpeza de movimentos que traz à dança, partindo deste estado para chegar a uma sujidade, a uma naturalidade, é um contributo inédito à dança em Portugal.

A questão da naturalidade é uma coisa que vem desde muito cedo, do tempo da Gulbenkian. Muitos problemas eu tive com bailarinos quando apelava a uma naturalidade! Durante muito tempo tive algumas dúvidas sobre se estaria certa relativamente a essa naturalidade mas o que é certo é que nunca perdi essa característica. A dualidade masculina e feminina fez também com que num determinado momento da minha carreira preferisse trabalhar com homens porque as mulheres, sobretudo as do tempo da Gulbenkian, não estavam prontas para certas coisas, não conseguiam exteriorizar a força quase masculina que eu procurava. Quando pus em cena o espectáculo Três Canções de Nina Hagen, fui abordada por várias pessoas na rua que me perguntavam porque é que as mulheres eram tão mal tratadas. Exactamente por isso: porque é horrível.

O momento de dança, para si, é a suspensão ou o desequilíbrio?

São várias coisas. Ambas fazem parte de mim. Os opostos são muito importantes para mim, assim como o preciosismo, que é outro lado meu, presente na Casta Diva. São os vários eus, da intérprete e da coreógrafa.

Quase heterónimos…

Não sei… eu sinto-me uma pessoa muito una mas tenho duas cargas muito fortes, bem distintas: a mulher forte, sensual e a miúda que não cresce.

Por ocasião dos seus três aniversários - 50 anos de vida, os 30 anos da sua carreira como bailarina e coreógrafa e os dez anos sobre a existência da Companhia Olga Roriz – surge o filme Felicitações Madame. A Morte do Cisne, uma das cenas filmadas, mostra esse lado mais infantil. O processo de criação é sobretudo um impulso, uma vontade?

Não sei explicar, é algo que cresce repentinamente. Pensei como depois de tantos anos eu consegui dar a volta à Morte do Cisne. Ao mesmo tempo sem deixar de ser eu. Eu gosto muito de dançar e tenho pena de não conseguir ter trabalhado comigo não como coreógrafa mas como bailarina.

Autobiografia

Olga como um pedaço de terra. Terra do norte. Meio século já passado.

Quando passo numa rua não é ela que me fixa mas eu que a fixo a ela.

Nas costas carrego a dor do vizinho. No peito um descompassado coração.

Na cara de criança um sorriso oferecido, na de mulher uma expressão grave como se algo estivesse prestes a desmoronar.

No corpo o gesto, a pose sempre em tons negros. Na pele um mapa onde nenhuma estrada se desvaneceu.

As mãos inseparáveis das palavras e do pensamento.

Nos olhos… Ai, nos olhos tanta vontade desmedida, tanto mimo.

No tempo uma inquieta saudade do que ainda não foi.

Na mente uma incansável guerreira que por fim me há-de matar.

Olga Roriz

SENHA / CONTRA-SENHA

(Textos e Pretextos): PROCURAR… um fim qualquer...

ACREDITAR… que há dois tipos de pessoas, os narcisos e os gladíolos...

VER… a história de cada um de nós esvair-se como se fosse uma ampulheta...

OUVIR… tudo e que até agora se calou…

ENCONTRAR… um olhar distante com um ouvido atento...

CHEIRAR… pouco a pouco…

FECHAR… os olhos, o peito, o ventre, intestinos, pâncreas e artérias coronárias…

DIZER… o que se quer, para que fique dito para sempre...

Fazer-se do tempo… o que se quer

Porque não quero e sei que não posso voltar,… procuro no prazer leve da distância, os lugares, as vozes, os gestos que há muito rasguei.

Colados ao corpo tenho… esses sulcos parados no tempo, como imagens num altar.

Suspensos...

Se eu, ao menos pudesse… calar-me como se fosse o próprio silêncio

Mato o tempo… à espera que ele me mate

O corpo na dança é… um abandono, em queda oblíqua, numa descida vertical de trajectória circular e infinita, infinita, infinita, infinita, infinita...

Olga Roriz

Luiz Antunes & Margarida Gil dos Reis
(Entrevista publicada na Revista Textos e Pretextos nº 8 | Primavera .Verão | 2006)

Telegrama Direito à Diferença

2008-01-15T01:57:00.000Z

Allan Falieri, ballet gulbenkian
Fotografia Agência Espectaculum

O corpo afina-se stop. Significar a imagem do corpo, mostrar a sua vulnerabilidade. Stop stop. Não ser reconhecido como um profissional que rasga as entranhas com suor e prazer para nunca falhar, stop. Ser diferente de qualquer outro artista, ser bailarino e acabar a carreira aos 40 com costas tortas e pés deformados. Stop.

Ser da responsabilidade dos governos financiar um desenvolvimento profissional, dos artistas profissionais, assim como sustentar a reconversão de certas categorias de artistas, tais como os profissionais da dança (Congrès Mondial sur 1'application de la Recommandation relative a la condition de l’Artiste organizado e realizado na sua sede pela UNESCO, em cooperação com o Ministère Francais de la Culture, a Commission National Francaise pour l'UNESCO; artigo 32) e ser tudo uma enorme falácia. Stop, stop stop. Valor que se resume normalmente a um reconhecimento por prémios, condecorações presidenciais ou a papeis de meros acompanhantes ao estrangeiro de presidentes e ministros. Stop, stop.

Cultura entregue a curiosos das artes que olham directamente para os seus centros corpóreos mas que devido à arte da coloração das almas com a cor certa, tudo esterilizam. Stop stop stop stop stop.

Arte efémera em que o seu saber e mestria não é defendido, nem regulamentado; em que não existe um curso de formação para professores, nem é necessário ter um diploma para ensinar, nem para abrir escolas de dança, a todos é permitido fazê-lo; sendo o resultado alunos com talento, recebendo lições de “professores” nem sempre qualificados. Stop, stop. Espectáculos apresentados a tempo, a custo de muito queijo derretido sobre cereais transformados em fios longos e cozidos “al dente”, com pagamentos pagos às prestações e em tempo de anacrusa. Stop, stop. Tempo de valorização dos medíocres. Stop stop. Institutos que subsidiam os AI’s AI’s dos amigos esfaimados. Stop Stop Stop. Arte das elites e para as elites e com as elites (económico-sociais ou pseudo-intelectuais), mas levada a cena pelos míseros silenciosos e sub nutridos seres dançantes, stop stop stop. Tempo de ouvir os violinos de Chopin assim como ver o casamento de Odette no Lago dos Cisnes em tempo de Natal. Stop stop. A cultura a quem de direito, aos humanistas, aos artistas, aos conhecedores do que são as dificuldades e de como se obtêm as glórias. Programar corpos que dançam e que não são conceitos complexos do nada. A cultura não é uma moda, nem estandarte de guerra, são as nossas raízes, é a nossa história individual tornada colectiva, traduzida actualmente numa brincadeira de mimadas crianças crescidas. Esta é a revolução cultural prometida na cultural revolução dos cravos? Então Srª profissionais do prazer ao poder pois os filhos já lá estão. Stop stop stop. Parece que é tempo de arrumar as trouxas e zarpar. Stop Stop Stop.

Luiz Antunes

(texto publicado na Revista A23)